REGNO UNITO: una nuova mostra del V&A esplora come Elsa Schiaparelli ha vestito ‘la città più maschile’ della Gran Bretagna

Dagli abiti da red carpet indossati da Ariana Grande ai vestiti surrealisti a forma di scheletro, le creazioni di Elsa Schiaparelli hanno a lungo sfumato il confine tra moda e arte. Ora, una nuova mostra al Victoria and Albert Museum di Londra mette in luce questa eredità, accostando capi di haute couture storici a look contemporanei indossati da personaggi come Dua Lipa, Ariana Grande e Kendall Jenner. La mostra, Schiaparelli: Fashion Becomes Art, ripercorre il lavoro della designer di origini italiane, che ha fondato la sua casa di moda parigina alla fine degli anni Venti ed è diventata famosa per i suoi design audaci e non convenzionali che sfidavano le idee tradizionali di abbigliamento. La curatrice senior della sezione moda del V&A, Sonnet Stanfill, afferma che il momento in cui il lavoro di Schiaparelli è passato dalla moda all'arte può essere fatto risalire alla metà degli anni Trenta. “Credo che dal 1935 abbia iniziato a lavorare a stretto contatto con l'artista surrealista Salvador Dalí”, afferma Stanfill. “Tutto inizia in piccolo, con un gruppo di ciprie compatte […] e poi si passa ad abiti come l'abito a lacrime, l'abito scheletro e altri ancora.” Nella sua autobiografia, Shocking Life, Schiaparelli descrisse il processo come ‘esaltante’.

Collaborazioni con gli artisti

Il rapporto di Schiaparelli con gli artisti andava ben oltre la semplice influenza. Mentre molti designer frequentavano gli artisti, raramente lavoravano direttamente con loro, lei invece integrava attivamente la collaborazione nelle sue collezioni. Alla domanda se Schiaparelli fosse una stilista influenzata dagli artisti o un'artista a pieno titolo, Stanfill risponde: “Entrambe le cose: ha lavorato a stretto contatto con i principali artisti del suo tempo e diceva: “Per me, la sartoria non è una professione, ma un'arte”.” Il suo lavoro con figure come Jean Cocteau e Dalí contribuì a definire un nuovo approccio all'alta moda, che considerava gli abiti come opere creative a sé stanti. A differenza di contemporanee come Coco Chanel, che frequentava ambienti artistici, Schiaparelli collaborò attivamente con gli artisti e fece di questo scambio un elemento centrale della sua identità. “Lo annunciò persino in un comunicato stampa”, osserva Stanfill. “Era parte integrante della sua concezione di sé come creatrice il fatto che collaborasse con gli artisti. Fondamentalmente, queste relazioni funzionavano in entrambe le direzioni. Era di un altro livello in termini di collaborazione e scambio di idee, e anche di ispirazione per gli artisti stessi.”

La sede londinese di Schiaparelli

Se Parigi ha fornito lo sfondo d'avanguardia per l'ascesa di Schiaparelli, Londra ha offerto un palcoscenico di tutt'altro genere. Aprì una filiale londinese della sua attività nel 1933 a Mayfair, all'epoca il centro dello shopping di lusso nella capitale. Descrivendola come “la città più maschile del mondo” e i suoi abitanti come “pazzi, pazzi, pazzi”, Schiaparelli inizialmente non sembrava una figura adatta alla società britannica. Eppure la sua clientela londinese si dimostrò tutt'altro che conservatrice. “Si potrebbe pensare che forse le clienti britanniche non fossero audaci come quelle che facevano shopping a Parigi”, afferma Stanfill. “Ma in realtà, guardando gli abiti, si notano colori vivaci stampe tessili insolite e alcuni dei suoi modelli più stravaganti furono acquistati e indossati da clienti britanniche.” L'attività londinese, che si protrasse fino al 1939, permetteva alle clienti di acquistare direttamente senza dazi doganali e di partecipare alle presentazioni in loco. Tra queste figurava una vasta gamma di donne di alto profilo, dall'attrice Marlene Dietrich all'aviatrice Amy Johnson e alla collezionista d'arte Maud Russell. “Credo che chiamasse le sue clienti 'personalità scintillanti'”, conclude Stanfill. Questo spirito è forse meglio esemplificato da Lady Jane Clark, che indossò un abito di Schiaparelli all'incoronazione del 1937, completo di un cappotto abbottonato con un bottone a forma di sirena a seno nudo. “Il fatto che sia stato indossato all'incoronazione credo che riassuma bene lo spirito della clientela di Schiaparelli”, ride Stanfill.

Uso del colore, dei materiali e dei dettagli

Sebbene le silhouette di Schiaparelli seguissero spesso gli stili prevalenti degli anni Trenta, era nei dettagli che il suo lavoro si distingueva. Piuttosto che alterare radicalmente la forma, si concentrava su colore, decorazioni e materiali. “Le sue silhouette non si discostavano drasticamente da ciò che era di moda”, afferma Stanfill, “ma se si pensa ai colori era una colorista piuttosto abile.” Descrive combinazioni come “un rosso barbabietola con un rosa salmone” o “un abito da sera marrone polvere con un mantello verde brillante con piume”. Schiaparelli ha anche promosso l'innovazione dei materiali, lavorando con tessuti insoliti come cellophane, rotophane e persino vetro intrecciato. “Si è davvero impegnata per garantire che la sua maison fosse associata ai materiali più innovativi e insoliti”, afferma Stanfill.

Allora e oggi

Sebbene Schiaparelli abbia chiuso la sua maison haute couture nel 1954, il brand è rimasto inattivo per decenni prima di essere rilanciato e tornare nel calendario dell'alta moda parigina nel 2014. Oggi, sotto la direzione creativa di Daniel Roseberry, la maison ha trovato un nuovo pubblico attraverso i social media e la moda da red carpet. “Penso che Daniel Roseberry sia incredibilmente abile nel catturare l'attenzione del pubblico”, afferma Stanfill. “Non è vincolato alla storia della maison, la prende come punto di partenza e la traduce in qualcosa per un pubblico contemporaneo.” Tra i pezzi forti della mostra, spiccano gli straordinari abiti haute couture rossi e rosa scultorei indossati da Ariana Grande agli Oscar del 2025: esempi di come la maison continui a catturare l'attenzione globale quasi un secolo dopo la sua fondazione.

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